1-1. Teodor de Wyzewa 테오도르 드 위제바 (1862-1914)
'Wagnerian Painting' '바그너 회화'
위제는 폴란드 태생이었지만 파리에서 상징주의 운동의 주요 비평가이자 이론가로서 활동했으며, 말라르메와 함께 추상미술과 후기 형식주의 이론을 발전시키는 데 기여했습니다. 후기 모더니즘 이론에서 반복되는 전형적인 상징주의 주제 중에는 예술이 '무관심한 삶의 더 높은 현실'에 접근하는 수단이라는 이데아와 다양한 예술의 가능한 융합에 대한 (바그너주의적) 구원이 있습니다. 1886년 5월에 출판된 초판본에 기초하여, 저자가 편집을 도운 『라 레뷔 바그너리엔』에 1895년 11-26페이지에 'L'Artwagnerienl:apeinture'로 출판되었으며, 현재 버전은 1895년 리처드 홉스와 폴 스미스의 텍스트를 번역하고 편집했습니다.
[ ... ] 우리가 실재한다고 믿는 이 세상은 순전히 우리 영혼의 창조물입니다. 정신은 자기 바깥으로 나갈 수 없으며, 자기 바깥에 있다고 믿는 것들은 단지 생각일 뿐입니다. 보고 듣는다는 것은 자기 안에 외관을 창조하는 것이며, 따라서 삶을 창조하는 것입니다. 그러나 똑같은 것을 창조하는 지긋지긋한 습관으로 인해 우리는 우리 자신의 창조력에 대한 즐거운 인식을 잃어버렸고, 우리는 우리가 낳은 꿈과 사물에 의해 제한되고 그것에 종속된 내면의 자아를 현실이라고 생각했습니다.
[ ... ] The world we live in, which we declare real, is purely a creation of our soul. The mind cannot go outside itself; and the things it believes to be outside it are only its ideas. To see, to hear, is to create appearances within oneself, thus to create Life. But the baneful habit of creating the same things has made us lose the joyful awareness of our own creative power; we thought real the dreams we gave birth to, and also this inner self, limited by objects and subject to them, that we had conceived.
그 결과 우리는 세상의 노예가 되었고, 우리의 이해관계가 얽혀 있는 이 세상의 모습은 더 이상 우리에게 즐거움을 주지 못했습니다. 그리고 창조의 기쁨을 주기 위해 우리가 창조했던 생명은 본래의 성격을 잃었습니다. 그러므로 그것을 재창조할 필요가 있습니다. 더럽고 습관적으로 보이는 이 세상 위에 더 나은 삶의 거룩한 세계, 즉 우리가 의도적으로 만들 수 있고 우리가 만든다는 것을 알기 때문에 더 나은 세계를 건설해야 합니다. 이것이 바로 예술의 사업입니다.
Consequently, we have been the slaves of the world, and the sight of this world, where we engaged our interests, has since ceased to give us pleasure. And the Life which we had created - created in order to give us the joy of creating - has lost its original character. It is necessary therefore to recreate it; one must build, over and above this world of defiled, habitual appearances, the holy world of a better life: better, because we can make it intentionally, and know that we make it. This is the very business of Art.
하지만 예술가는 이 더 높은 삶의 요소들을 어디에서 가져올까요? 그는 우리의 평범한 삶, 우리가 현실이라고 부르는 것이 아니라면 어디에서도 찾을 수 없습니다. 즉, 예술가와 그가 창조 한 삶을 전달하고자하는 사람들은 항상 삶을 인식 해 온 바로 그 조건에서 그들에게 나타나지 않는 한, 그들의 마음이 일반적으로하는 일의 결과로 그들의 영혼에 살아있는 예술 작품을 세울 수 없다는 것입니다.
But from where will the artist take the elements of this higher life? He can find them nowhere unless in our normal life, in what we call Reality. This is to say that the artist, and those to whom he wants to communicate the life that he creates, cannot, as a result of what their minds normally do, erect a living work of art in their souls, unless it presents itself to them under the very conditions in which they have always perceived life.
따라서 이것은 예술에서 사실주의의 필요성을 설명합니다. 우리가 진짜라고 생각하는 헛된 외관을 다른 목적 없이 그대로 옮기는 사실주의가 아니라, 우리가 인식하는 거짓된 관심의 현실에서 이러한 외관을 찢어내어 무관심한 삶의 더 높은 현실로 옮기는 예술적 사실주의가 필요한 것입니다. 우리는 주변에서 나무, 동물, 사람을 보고 그것들이 살아 있다고 생각하지만, 이런 식으로 보면 그것들은 우리 시야의 변화하는 장식을 드리우는 헛된 그림자에 불과합니다. 그들은 더 강렬한 현실을 가진 특별한 영혼을 가진 예술가가 더 높은 삶으로 그들에게 영감을 불어넣어 우리 앞에 재현할 때만 살아날 것입니다.
And so, this explains the necessity of realism in art; not a realism which transcribes the vain appearances that we think real, with no other end, but an artistic realism, which tears these appearances from the false reality of interest where we perceive them, in order to transport them into the higher reality of a disinterested life. We see around us trees, animals, men, and we assume they are living; but, seen in this way, they are only vain shadows which drape the shifting decor of our vision. They will only live when the artist, in whose special soul they have a more intense reality, inspires them with this higher life - recreates them before us.
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... 마음이 더 세련됨에 따라 예술은 점점 더 다양한 방법을 필요로 합니다.
현실에서 작동하는 것보다 더 다양한 방법을 필요로 합니다. 따라서 다색 조각상은 그 재료가 재현 한 모델과 너무 많이 닮았습니다. [ ... ]
그래서 다시 말하지만, 드라마를 읽으면 살아있는 배우가 극장에서 연기하는 동일한 드라마보다 섬세한 영혼에게 더 생생하게 보일 것입니다. 예술의 감정을 보존하기 위해 우리는 예술의 삶에서 현실의 삶이 아닌 다른 수단을 통해 삶의 인상을 주어야한다는 더욱 절실한 필요성을 가지고 있습니다.
회화는 이러한 요구에 부응합니다. 예술적으로 우리에게 감각을 제안하기 위해 사용하는 수단은 현실에서 사용하는 수단과는 완전히 다릅니다. 회화 속 색과 선은 현실에 존재하는 전혀 다른 선과 색을 재현한 것이 아니라, 이미지들 간의 연관성의 결과로서 그것이 의미하는 것과 동일하게 된 관습적인 기호일 뿐이기 때문입니다. 그러나 단어와 생각이 다르거나 음표와 그것이 암시하는 감정이 다르듯이 실제 색과 선과도 결국은 다릅니다.
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몇몇 뛰어난 거장들의 눈에는 거의 병적일 정도의
예술가들은 자신을 감싸는 공기에 둘러싸인 사물을 보는 데 익숙해졌습니다. 그 순간부터 회화의 어휘가 수정되었고 새로운 기호가 도입되어 새로운 감각을 만들어 냈습니다 [... ] .
II
회화, 문학, 음악은 각각 하나의 삶의 방식만을 제시합니다. 그러나 삶은이 세 가지 모드의 친밀한 결합으로 존재합니다. 곧, 그들의 예술은 작가들에게 그랬던 것처럼 화가들에게 그들이 생각한 전체 삶을 창조하기에는 불충분 해 보였을 것입니다. 따라서 오래 전부터 그들은 예술의 가능성을 확장하고 다양한 형태의 삶을 재구성하는 데 예술을 사용하기를 원했습니다. 예를 들어, 작가들은 단어가 정확한 개념적 의미를 넘어 귀에 특별한 울림을 주며, 문장의 리듬과 마찬가지로 음절이 음악적 음색이 된다는 사실을 발견했습니다. 그리고 그들은 새로운 예술, 즉 시를 시도했습니다. 그들은 단어를 더 이상 개념적 가치가 아니라 조화로운 연대를 통해 영혼의 감정을 불러일으키는 음절로 사용했습니다.
예술의 수단으로 감정의 삶을 번역해야 한다는 동일한 필요성으로 인해 화가들은 감각을 완전히 사실적인 방식으로 재현하는 한계를 뛰어넘게 되었습니다.
그리고 그들에 의해 새로운 종류의 그림이 시도되었습니다.
상황의 합의가 가능했습니다. 즉, 색과 선 자체도 단어와 마찬가지로 친숙함을 통해 영혼에게 그것이 표현하는 대상과 무관한 감정적 가치를 지니게 되었습니다. 우리는 항상 특정 표정, 특정 색상 또는 특정 윤곽이 대상과 함께 이런저런 감정을 불러일으키는 것을 보았습니다. 그리고 보라, 이 색, 이 윤곽, 이 표정은 우리 영혼의 이러한 감정과 연결되어 있으며, 시각적 감각의 신호일 뿐만 아니라 감정의 신호가 되었으며, 이러한 연결의 우연으로 인해 시의 음절이나 음표와 같은 감정적 신호가 되었습니다. 그래서 어떤 화가들은 시각의 정확한 감각을 제시한다는 미술의 본래 목적을 뒤로하고 다른 길을 걸을 수 있었습니다. 그들은 시각적 대상의 직접적인 묘사와는 무관하게 순전히 교향곡적인 구성을 위해 색과 선을 사용했습니다. 그리고 오늘날 회화의 수단인 색채와 선은 전혀 다른 두 가지 종류의 회화에서 사용될 수 있습니다. 하나는 사물의 모습을 정확히 재현하는 감각적이고 묘사적인 회화이고, 다른 하나는 색채와 선이 나타내는 대상을 소홀히 다루고 감정의 신호로만 사용하며 자유로운 연주를 통해 교향곡에 필적하는 완전한 인상을 우리 안에서 만들어내는 방식으로 결합된 감성적이고 음악적인 회화입니다. [ ... ]
따라서 설명적인 그림뿐만 아니라 감정적인 그림은 합법적인 권리를 가지고 있으며 똑같이 귀중한 예술의 가치를 지니고 있습니다. [ ... ] 감성 회화의 첫 번째 주인은 시적인 레오나르도 다빈치였습니다. 그는 변태적이고 초자연적인 표현의 신비로움을 통해 음탕한 공포의 감정을 우리에게 선사했습니다. 나중에, ... 피터 폴 루벤스는 가장 강렬한 색채의 교향곡을 만들었습니다. [반면 렘브란트에서는 [...] [우리는] 치아 로스코의 초자연적인 유희를 발견하며, 이는 동시에 더 고민하고 더 절제된 감정을 만들어냅니다. 그 후 와토는 우아한 우울을 번역했습니다. 그는 모차르트 사중주의 특정 안단테 악장을 연상시키는 것처럼 보이는 경쾌하고 달콤한시에 그의 그림의 유쾌한 우아함을 바쳤습니다. 그리고 차례로 들라크루아는 낭만주의에서 약간 저속한 폭력적인 열정의 작사가였습니다.
이 모든 거장들은 그림이 실제 감각을 묘사하거나 실제 감정을 암시하는 데 똑같이 효과적일 수 있음을 증명했습니다. 다만, 그들은 이 두 가지 가능성에는 전혀 다른 두 가지 종류의 예술이 필요하며, 자신의 타고난 성향에 따라 둘 중 하나를 선택해야 한다는 것을 직감했습니다. 오늘날에는 선택의 필요성이 더욱 중요해졌습니다. [... ]
III
[... ] 모네는 감탄할만한 솔직함과 비교할 수없는 시각적 미묘함의 명성으로 두 명의 진지하고 강력한 거장 인 마네와 세잔의 작품을 완성하고 빛의 뉘앙스의 모바일 플레이를 분석합니다. [... ] 우리는 M. 드가가 포착 한 움직임과 삶의 가장 파악하기 어려운 비밀을 보았습니다. 그러나 감정적인 그림은 더 복잡한 감정의 홍수 속에서 교향곡 절차를 정교하게 수정하고 수정합니다. M. 구스타브 모로는 ... 반짝이는 보석의 조화로운 배열에 기뻐합니다. M. 오딜론 레돈은 기괴한 풍경 속에서 황량한 공포의 새로운 창조를 시도합니다. [... ] 그리고 다른 화가들과 마찬가지로 이들로부터 고립 된 가장 위대한 천재이자 유일한 천재 인 M. 르누아르는 노래나 애무처럼 유쾌한 색채의 상호 작용으로 어린 아이 같은 영혼의 달콤하고 독창적 인 꿈을 진지하게 표현합니다. 그는 오늘날 오직 자신에게서만 영감을 얻고, 외부 세계의 소음이 그 목소리를 듣지 못하게 할 만큼 강한 목소리를 마음속 깊이 간직하고 있는 유일한 사람입니다.
그래서 유행하는 공식의 진부함이 살롱에서 사라지는 동안 다른 곳에서는이 거장들의 작품이 화려하게 꽃을 피우고 있습니다. [ ... ] 그러나 너무 머지 않아 민주주의의 거센 물결이 그들의 피난처에 도달 할 것이고,이 예술가들의 아들들은 이미 고객이없는 예술에 대한 헛된 관심을 포기할 것입니다. 마침내 보편적 참정권이라는 민주적이고 평등주의적인 예술이 지배하는 날이 다가오고 있습니다.
