1-2. Paul Signac 폴 시냐크 (1863-1935)
외젠 들라크루아에서 신인상주의까지: From Eugène Delacroix to Neo-Impressionism
작가는 19세기 후반 프랑스 화가들이 발전시킨 색채와 표현에 대한 접근법을 정립하고 이론을 후대에 전수하는 데 있어 특히 중요한 역할을 한 신인상주의 경향에 밀접하게 관여한 화가였다. 감각을 위해 사용되는 지식으로서의 예술 실천의 개념은 포브스(Fauves)에 의해 채택되었으며, 1899년 6월에 '외젠 들라크루아에서 신인상주의까지'라는 제목으로 정식 출판되었습니다. 반세기 동안 들라크루아는 더 많은 밝기와 광채를 얻기 위해 노력했으며, 이를 통해 자신의 뒤를 이을 컬러리스트들이 따라야 할 길과 달성해야 할 목표를 보여주었습니다. 그는 여전히 할 일을 많이 남겼지만 그의 공헌과 가르침 덕분에 그들의 작업은 더 쉬워졌습니다.
그는 그림에 대한 열정을 방해하지 않고 오히려 강화하는 건전한 기법, 계획과 논리의 모든 장점을 그들에게 증명했습니다.
그는 색을 지배하는 법칙의 비밀, 즉 유사성의 조화와 반대의 유추를 알려주었습니다.
그는 통일되고 칙칙한 색 구성표가 다양한 요소 조합의 진동에 의해 생성되는 색보다 얼마나 열등한지 보여주었습니다.
그는 새로운 색을 만들어내는 광학 블렌딩의 자원을 확보했습니다.
그는 어둡고 칙칙하고 칙칙한 색상을 최대한 배제하라고 조언했습니다.
그는 팔레트의 혼합물로 색을 손상시키지 않고도 색을 수정하고 줄일 수 있다고 가르쳤습니다.
그는 그림의 효과에 기여할 수 있는 색채의 도덕적 영향력을 보여주었고, 색과 톤의 미적 언어에 입문하게 했습니다.
그는 색채의 조화가 너무 화려해질까 봐 두려워하지 말고 모든 것을 과감하게 시도하라고 독려했습니다.
강력한 창조자는 위대한 교육자이기도 합니다. 그의 가르침은 그의 작품만큼이나 소중합니다.
그의 작품만큼이나 소중합니다. 그럼에도 불구하고 들라크루아의 그림은 그의 노력과 지식에도 불구하고
그의 노력과 지식에도 불구하고 그의 추종자들의 그림만큼 가볍거나 색채가 풍부하지 않습니다. '십자군의 입구'는 르누아르의 '보트 파티의 오찬'과 수라트의 '서커스' 옆에 어둡게 보입니다. 들라크루아는 화려한 색채, 너무 많은 색채, 흙빛과 어두운 색채 등 낭만주의 팔레트가 줄 수 있는 모든 색채를 포착했습니다. 그는 자신의 이상에 맞는 이보다 더 완벽한 악기를 가질 수 없었습니다. 이 악기를 만들기 위해 그는 팔레트에서 쓸모없는 어두운 색을 제외해야만 했습니다. 그는 밝은 색을 추출하기 위해 색에 폭력을 가했지만 프리즘의 순수하고 가상의 색으로만 그림을 그리는 것은 꿈에도 생각하지 못했습니다. 이러한 진보는 다른 세대, 즉 인상파에 의해 이루어져야 했습니다. 모든 것은 그 시대와 연결되어 있고 그 시대에서 발전합니다. 처음에는 복잡해지고 나중에는 단순화됩니다. 인상파 화가들이 팔레트를 단순화하고 더 큰 색상과 광채를 얻었다면 그것은 낭만주의 거장의 조사와 복잡한 팔레트에 대한 그의 투쟁 덕분입니다.
인상파 그룹의 마지막 전시회인 1886 년이었습니다.
합리적인 방법에 따라 광학적으로 혼합하여 순수하고 분리되고 균형 잡힌 색상으로 만 칠해진 작품이 처음으로 등장했습니다. 이 단계를 선동 한 조르주 수라트는 그곳에서 최초의 분리 된 그림을 전시했습니다. 그랑자트의 일요일은 이 화가의 매우 드문 자질을 증명하는 결정적인 캔버스였으며, 그의 주변에는 카미유 피사로와 그의 아들 루시앙 피사로, 폴 시냑도 비슷한 기법으로 그린 작품들을 전시했습니다. 이 혁신가들의 그림은 예상치 못한 선명함과 조화로움을 보여줬고, 그다지 환영받지는 못했지만 곧바로 주목을 받았습니다. 이러한 특성은 분리의 기본 원칙 덕분이었습니다. 그 이후로 앙리 에드몬드 크로스, 알버트 뒤부아-필레, 막시밀리앙 루세, 히폴리트 쁘띠장, 테오 반 리셀베르헤, 헨리 반 드 벨데 등의 연구와 공헌 덕분에 이 기법은 잔인한 죽음, 공격과 탈영에도 불구하고 발전을 멈추지 않았습니다. [ ... ]
크로모-루미 나리스트라는 별명으로 더 잘 설명 될이 화가들이 신 인상파라는 이름을 채택했다면, 이것은 법정 성공 (인상파는 여전히 한창 비행 중)이 아니라 선구자들의 노력에 경의를 표하고 차이점에도 불구하고 공통 목표 인 빛과 색을 강조하기위한 것이 었습니다. 이 화가들이 사용한 기법은 전혀 인상주의적이지 않으며, 선조들의 기법이 본능과 순간적인 것에 기반을 둔 반면, 이들의 기법은 성찰과 영구적인 것에 기반을 두었기 때문에 신 인상주의라는 제목은 이런 의미에서 이해되어야 합니다. 인상주의자들과 마찬가지로 신인상주의자들은 팔레트에 순수한 색만 사용했습니다. 그러나 그들은 색채 원에서 인접한 색을 섞는 것을 제외하고는 팔레트에서 색을 섞는 것을 완전히 거부했습니다. 서로 음영을 주고 흰색으로 밝게 처리한 이 색들은 태양 스펙트럼의 다양한 색상과 모든 톤을 복원하는 경향이 있습니다. 노란색과 빨간색이 섞인 주황색, 빨간색과 파란색으로 음영 처리된 보라색, 파란색에서 노란색으로 넘어가는 녹색이 흰색과 함께 사용된 유일한 요소입니다. 하지만 이 순수한 색들을 광학적으로 혼합하고 비율을 다양하게 조절함으로써 가장 강렬한 색부터 가장 회색에 이르기까지 무한한 색을 얻을 수 있었습니다. 그들은 팔레트에서 혼합된 색을 추방했을 뿐만 아니라 캔버스에 상반되는 색을 함께 배치하여 색의 순수성을 손상시키지 않았습니다. 팔레트에서 순수하게 터치한 모든 색상이 캔버스에서도 순수하게 유지됩니다. 이 화가들은 더 화려한 파우더와 더 진한 재료로 준비된 색을 사용했기 때문에 단순화 된 팔레트의 순수한 색을 어둡게하고 손상시킨 인상파의 광도와 색채를 능가한다고 주장 할 수 있습니다. 순수한 광학 요소의 혼합으로 최대의 광도와 색상을 보장하는 분리 기술만으로는 충분하지 않습니다. 대비, 음영 및 광채의 규칙에 따라 이러한 요소의 비율과 균형에 따라 작품의 완전한 조화를 보장합니다. 인상파 화가들이 드물게 본능적으로 관찰했던 이러한 규칙은 신 인상파 화가들에 의해 항상 엄격하게 적용되었습니다. 그것은 감각을 약화시키지 않고 그것을 안내하고 보호하는 정확하고 과학적인 방법입니다.
빈 캔버스 앞에서 화가가 직면하는 첫 번째 질문은 어떤 곡선과 패턴으로 표면을 나눌지, 어떤 색상과 톤으로 덮을지 결정하는 것입니다. 대부분의 그림이 순간적인 사진이나 쓸모없는 일러스트레이션인 요즘 같은 시대에는 드물지 않은 고민입니다. 인상파 화가들이 이러한 고민을 소홀히 했다고 비난하는 것은 어리석은 일입니다. 그들의 분명한 계획은 질서와 조합에 대한 걱정 없이 자연의 패턴과 조화를 있는 그대로 포착하는 것이었기 때문입니다. 비평가 테오도르 뒤레는 '인상주의자는 강변에 앉아 눈앞에 보이는 것을 그린다'고 말했습니다. 그들은 이런 방식으로 경이로움을 창조할 수 있다는 것을 증명했습니다. 신 인상파는 들라크루아의 조언에 따라 구도를 완성하지 않고는 캔버스를 시작하지 않습니다. 전통과 과학에 따라 그는 구도를 자신의 아이디어와 조화시킬 것입니다. 즉, 선 (방향과 각도), 명암 (톤), 색상 (안료)을 원하는 캐릭터에 맞게 조정할 것입니다. 선은 평온함을 나타내는 수평선, 기쁨을 나타내는 상승선, 슬픔을 나타내는 하강선이 주를 이루며, 그 외의 모든 중간 선은 무한히 다양한 느낌을 묘사하는 데 사용됩니다. 상승하는 선에는 따뜻한 색과 선명한 톤이, 하강하는 선에는 차가운 색과 어두운 톤이 우세하며, 따뜻한 색과 차가운 색, 옅은 톤과 강렬한 톤의 다소 완벽한 균형이 수평선의 평온함에 더해져 표현력과 다양성이 뛰어난 다색적 상호작용이 이 선형적 상호작용과 결합됩니다. 따라서 화가는 자신이 느끼고 번역하고자하는 감정에 색과 선을 제출하여 시인, 창작자의 작업을 수행합니다.
일반적으로 신 인상주의 작품이 인상파 작품보다 더 조화롭다는 것을 인정할 수 있습니다. 첫째, 대비를 지속적으로 관찰 한 덕분에 세부 사항의 조화가 더 정확합니다. 둘째, 합리적인 구성과 색상의 미적 언어 덕분에 전체의 조화와 도덕적 조화로 이어집니다. 인상주의 작품은 고의적으로 무관심합니다.
신 인상파보다 더 밝게 칠하는 것은 쉬울지 모르지만 색을 잃게 되고, 더 많은 색을 가질 수 있지만 어두워지는 대가를 치르게 됩니다. 색채는 색채원 반경의 중앙(흰색)에서 둘레(검은색)로 이어지는 가운데에 위치합니다. 이 위치는 힘과 아름다움의 최대 채도를 보장합니다. 화가가 현재 가지고 있는 것보다 더 나은 유형의 색을 사용하거나 더 나은 물질을 사용하거나 민감해진 표면에 빛을 직접 적용하는 것과 같은 새로운 프로세스를 통해 이러한 조합을 발견할 때가 올 것입니다. 그러나 현재의 자원을 활용하는 방법을 알고 있었던 것은 신 인상파 화가들이었다는 것을 인정해야 합니다.
현재의 자원을 활용하여 더 밝고 더 많은 색을 표현하는 방법을 알고 있었다는 것을 인정해야 합니다. 그들의 그림 중 하나 옆에는 여전히 비판이 있지만 예술적 특성이 아무리 뛰어나더라도 모든 그림은 어둡거나 색이 부족해 보일 것입니다. 우리는 화가의 재능이 그림에 얼마나 많은 빛과 색이 있느냐에 좌우되는 것을 원하지 않으며, 흰색과 검은색으로 걸작을 만들 수 있고 색과 빛으로 그리지 않고도 걸작을 만들 수 있다는 것을 알고 있습니다. 하지만 색과 빛에 대한 연구가 예술의 전부는 아니더라도 적어도 가장 중요한 부분 중 하나가 아닐까요? 안료와 톤의 다양한 리듬 속에서 통일성을 만들기 위해 노력하고, 자신의 감각을 위해 지식을 활용하는 예술가가 아닐까요?
'비겁한 그림은 겁쟁이의 그림이다'라는 들라크루아의 말을 기억하며, 신 인상파 화가들은 그들의 엄격하고 단순한 그림에 자부심을 가질 수 있었을 것입니다. 그리고 예술가를 만드는 것이 기술이 아니라 열정이라면 그들은 빛과 색채, 조화에 대한 비옥한 열정을 가지고 있다고 확신할 수 있습니다.
어쨌든 그들은 이전에 해왔던 것을 반복하지 않을 것이며, 새로운 방식을 창조하고 개인적인 이상을 표현하는 위험한 영광을 누릴 것입니다.
그들은 발전할 수 있지만 항상 순수함과 대비의 토대 위에서 발전할 수 있습니다. 그들은 이것들의 중요성과 매력을 너무 잘 알고 있었기 때문에 그것들을 포기할 수 없었습니다. 초창기의 장애물에서 점차 자유로워지면서 꿈을 색으로 표현할 수 있게 해준 분리 기법은 더욱 유연해지고 발전하여 더욱 비옥한 자원을 약속했습니다.
그리고 그들 중에이 기술을 더 발전시킬 수있는 천재성을 가진 예술가가 없다면 적어도 그의 작업을 단순화했습니다. 승리의 컬러리스트는 나타나기 만하면됩니다. 그의 팔레트가 그를 위해 준비되었습니다.
